Naufrago
nei tuoi occhi di mare
il tuo corpo
pone fine al mio errare 

(…)  

emozioni stuprate
da cuori
avidi
da mani
senza scrupoli
lapide
l’anima
incisa a fuoco

Momenti diversi che sfogliano il tempo in attesa di cercare e rispondere all’esigenza di una scrittura che disveli senza rimozione, la delusione, l’estraneamento, la violenza, la rinascita e il loro altalenarsi come “tutto / è / ombra e luce / un mare d’acciaio / riflette / la mia anima”.
Le parole seguono quindi all’urgente impulso di dare forma al dolore strappandolo dal cuore e tentare di contenerlo nel foglio, mantenendone i solchi nel tempo, le cicatrici e la loro rielaborazione emotiva. Una vita senza ancoraggi richiede soste, fermi-immagine, speranza e coscienza di sé: l’autrice non chiede soluzioni, verità a cui aggrapparsi: come le zagare risponde a burrasche e maltempo, come le agavi partorisce dolore; ci si accartoccia attorno ma anche i segni del tempo troveranno momenti di benefica rinascenza. La terra d’origine, la Sicilia, è terra arida, nuda, brulla, forte e coraggiosa: dal suo mare spesso Paola Sarcià prende conforto da specchi d’acqua che nel ricordo diventano quel “rimandare al cuore” la speranza di inattese rinascenze anche se la poetessa recita “nella terra / di nessun luogo / affondo / le mie radici”.

Le zagare non hanno bisogno di molte cure per fiorire e profumare e vivere; anche in funzione di questo, il titolo della raccolta risponde perfettamente alla formazione culturale, emozionale ed etica di Paola Sarcià. La rosa del deserto si adatterebbe a diventare il simbolo di questa silloge; il tempo infatti si svolge impietoso sopra le cose, le appesantisce e le logora, qualche volta però addensa nei secoli piccoli cristalli che offrono alla caducità una statuaria forma di rosa.

È l’unico elemento di spinta all’eternità che leggiamo nei versi. Il resto passa: friabile come noi, si trasforma, è vissuto. Si consuma con il nostro corpo e anima. È importante rilevare come nelle liriche la parola diventi segno connotativo del dolore: la poetessa marchia a fuoco se stessa senza pietà, ogni verso, spesso costituito da un solo sintagma, verga in modo icastico la pagina, esiste da solo come l’autrice davanti a se stessa, imprigiona quel momento, quella pausa, quello sconforto, quella certezza, l’accettazione di sé senza pudori. Il valore del testo consiste nel nascere e vivere senza orpelli, senza inizi, senza fine, senza parole inutili o eccesso aggettivale, si staglia conciso nella sintesi di un lampo prima del temporale e lascia in chi legge la nudità della vita e del dolore “predatore dell’anima” e l’autrice “incatenata / allo sfregio / dei ricordi”.

Lo stile decisamente incisivo e nominale, come già osservato, si allarga a poche aggettivazioni e colorazioni: forti e pungenti però quelle che si colgono… “insanguinate”, “ incredula” , “stuprate”, “impauriti”, “affilati” “improvvisa”, “caparbia”. E quando la solitudine, l’amarezza, la mancanza la devastano, l’autrice inizia a scrivere con l’urgenza di leggersi e mettere a fuoco se stessa; forse solo in quel momento inizia un percorso doloroso ma in salita.

Poche le soste “irrilevanti”, recita l’autrice, consapevole che siamo i soli recitanti del nostro male, e soli “muse di noi stessi” anche nell’apparente non-senso di quello che ci accade “odori forti/ soffocanti (…) restituiscono / il volto della follia”.

Il mare d’acciaio, livido e immobile lastra metallica, senza il conforto neanche dell’orizzonte, diventa il ricordo di una gita in barca; di un volto amato. Voglia improvvisa di emozioni, “pensieri / diafani / indistinti / si spandono / sulla carta” non più come “polvere di sabbia” ma, a mio avviso, cantori di un dolore che verrà accettato perché vissuto, scritto ed elaborato. È sua questa luce stellata, dove le lacrime purificano il cielo: danno energia e coraggio, indeterminatezza e accoglienza di tutto, proprio tutto, anche quello che ci prende in ostaggio l’anima.

lontano
dal chiarore
della luna
comete
in lacrime
nel cielo
sereno

NOTE